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Medellín - Antioquia,
Viernes, 8 de Mayo de 2009
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ESQUEMA DE HISTORIA DEL ARTE
1. Conceptos básicos
2. Origen del dibujo
3. Concepto de dibujo artístico
4. Instrumentos y soportes utilizados
5. El arte en la historia
6. Bibliografía
1. CONCEPTOS BÁSICOS:
- ARTE: Acto mediante el cual, valiéndose de la materia o de lo visible,
imita o expresa el hombre lo material o lo invisible, y crea copiando o
fantaseando. En sentido amplio, podemos denominar como Arte a toda creación u
obra que exprese lo que el hombre desea exteriorizar, obedeciendo a sus propios
patrones de belleza y estética. El artista para crear, requiere ante todo estar
dotado de imaginación, a través de la cual responde al vasto y multiforme mundo
externo expresando sus sentimientos por medio de palabras, formas, colores y
sonidos.
- ARQUITECTURA: En un sentido corriente, la Arquitectura es el arte de
construir, de acuerdo con un programa y empleando los medios diversos de que se
dispone en cada época; así podemos definirla como el arte de proyectar y
construir estructuras. La misma tiene un sólido fundamento científico y obedece
a una técnica compleja, por esta razón se dice que sólo es arte cuando la
construcción es expresiva de la voluntad espiritual de una época y esa expresión
arquitectónica es el resultado de todos los elementos constitutivos que emanan
esencialmente de las relaciones que se entablan con el espacio que conforma la
obra y el espacio que lo circunda. De allí cabe resaltar que la Arquitectura es
el arte de conformar el espacio, transformándolo. En sus más acabadas
manifestaciones, la Arquitectura logra unir la belleza y la utilidad, a tal
punto que una depende de la otra, pues una obra no es hermosa si no se adapta al
fin para el cual se destina.
- ESCULTURA: La Escultura es el arte de crear formas expresivas de tres
dimensiones reales, sean volúmenes, cuando se emplean materiales compactos, sean
objetos en los que predomina el espacio, apenas delimitado o indicado mediante
ejes que lo recorren, cuando se emplean materiales que pueden reducirse a hilos,
cintas, cuerdas, etc. o materiales transparentes. La primera forma es la
tradicional, la segunda se desprende del carácter que tiene la escultura de
vanguardia, pero ambas afirman la tridimensionalidad. El escultor tradicional
crea formas volumétricas modelando una sustancia dotada de cierta plasticidad,
como la cera y la arcilla húmeda, o tallando materias duras como la piedra, el
granito, la madera, el marfil, o bien haciendo moldes que le permiten reproducir
en relieve lo que aquellos representan en hueco. El escultor moderno crea formas
espaciales utilizando piezas de hiero fundido, hilos de alambre, cintas de
acero, filamentos de madera, cuerdas de violín y materiales plásticos variados.
- PINTURA: Arte que representa en superficie plana cualquier objeto real
o imaginario por medio del dibujo y el color. Los testimonios más antiguos del
arte humano son dibujos y pinturas que los primitivos habitantes del planeta
dejaron en cavernas prehistóricas, estas pinturas fueron llamadas Rupestres.
Desde el punto de vista técnico la pintura se dice que es al fresco cuando se
aplica a paredes y techo usando colores disueltos en agua y cal; al óleo cuando
ha sido elaborada con colores desleídos en aceite secante, por lo general sobre
una tela. La pintura al pastel se efectúa con lápices blandos y pastosos; la
acuarela emplea colores transparentes diluidos en agua; a la aguada se llama el
procedimiento de emplear colores espesos, templados con agua de goma y miel;
pintura al temple es la preparada con líquidos glutinosos y calientes, en ella
se emplea entre otros productos, el agua de cola. En la llamada de porcelana se
usan colores minerales endurecidos y unidos por medio del fuego.
- ARTES VISUALES: En su sentido más general, son las que se relacionan
con la impresión e ilustración, las que se expresan por medio de gráficos e
imágenes; abarca todas las artes que se representan sobre una superficie plana.
Las Artes Visuales tienen como función el comunicar lo que el artista desea
expresar por medio de un lenguaje visual, atendiendo tanto a los elementos
compositivos como a los principios compositivos, para que la obra en sí resulte
agradable y de buen gusto para quien la observe.
2. ORIGEN DEL DIBUJO
Desde la prehistoria el hombre trató de reproducir en las paredes de las grutas
las formas de los animales que había observado, logrando representar sus
movimientos, la masa y la forma de los cuerpos; así, nace este arte que es uno
de los primeros practicados por el ser humano, que siempre ha procurado
representar los objetos como sus ojos los veían. El hombre a través del tiempo
deja su huella traduciendo la impresión que le transmite un objeto reproduciendo
su forma, su tamaño y su volumen, bien por medio de un trazo, como en el arte
egipcio, griego y japonés, bien sugiriendo sobre todo el aspecto del relieve por
el juego de las sombras y de la luz; este último modo de expresión es ya visible
en los frescos de Pompeya y en los artistas del Renacimiento italiano, como
Leonardo De Vinci. En términos generales, este arte se ha desarrollado en
función de las condiciones de existencia de cada época, de cada cultura y de los
progresos y conocimientos acerca de los instrumentos y técnicas utilizadas por
los artistas.
3. CONCEPTO DE DIBUJO ARTÍSTICO
Es la representación de un objeto por medio de líneas que limitan sus formas y
contornos. Se trata de una abstracción de nuestro espíritu que permite fijar la
apariencia de la forma, puesto que el ojo humano sólo percibe masas coloreadas
de diversa intensidad luminosa. El dibujo es el arte de representar gráficamente
sobre una superficie plana de dos dimensiones objetos que, por lo regular,
tienen tres. También, debemos tomar en cuenta que el dibujo es la base de toda
creación plástica y es un medio arbitrario y convencional para expresar la forma
de un objeto por la línea, un trazo y juegos de sombras y luz. Lo que
caracteriza al dibujo es la limitación de las formas mediante líneas; esto lo
diferencia de la pintura, en la cual la estructura de los planos se logra
mediante masas coloreadas. El dibujo es un elemento abstraído del complejo
pictórico, que en virtud de su fuerza expresiva, se convierte en un arte
independiente.
4. INSTRUMENTOS Y SOPORTES UTILIZADOS
Las técnicas del dibujo son diversas y han variado con el tiempo; en general,
los instrumentos más utilizados son el lápiz, la pluma (tinta china o sepia), el
carbón, el pastel, el óleo, etc. El hombre prehistórico adornaba los muros de
las cavernas o ciertas figuras de marfil, hueso, de hasta de reno o esteatita
utilizando buriles y raspadores de sílice, clavos, alfileres, etc. Las pinturas
primitivamente las hacían con los dedos, pasando luego a realizarlas empleando
pinceles de plumas o de madera astillada. Los colores consistían en tonos
negros, rojos, amarillos y pardos, obtenidos mediante la pulverización de
arcillas rojas, de trozos de ocre amarillo y rojo mezclados con grasas o con
jugos vegetales. Los pintores egipcios cubrían la superficie a pintar (madera,
piedra), con una capa de estuco, luego realizaban el dibujo con color rojo, para
después trazar el contorno de la figura con negro; esta preparación permitía que
al contacto de los óxidos de la materia colorante con el soporte, se operara una
reacción química, dando como resultado la fijación de los pigmentos. Los romanos
emplearon la técnica del fresco en los muros, al temple (en cuadros) y la
encaústica en retratos. En el arte de la Edad Media se destacan los mosaicos,
muchos de ellos realizados con vidrio esmaltado, cortados en pequeños trozos,
sobre un fondo dorado. Hasta el siglo XV, las pinturas de tamaño grande todavía
se ejecutaban al temple, esto es, con pigmentos molidos y mezclados con algún
aglutinante; el agente más común era la yema de huevo, adelgazada con agua hasta
donde fuera necesario; se pintaba sobre estuco blanco, aplicado previamente en
una capa muy delgada a la tabla o lienzo. El fresco, es un método parecido que
se aplicó para pintar el interior de las paredes y muros, fue muy utilizado. Las
técnicas pictóricas empleadas por los pintores barrocos fueron al temple y al
óleo en diversas dimensiones o planos. La sutil gradación de la luz y la sombra
en La Virgen de las Rocas, de Leonardo, o en Mujer bañándose en un arroyo, de
Rembrandt, no se hubiera logrado más que con el óleo; los pigmentos coloreados
se mezclaban con aceite y se diluían, para darles la consistencia conveniente,
con una mezcla de aceite de linaza y aguarrás. Los pintores Flamencos, como Van
Eyck, usaron el método transparente, que consistía en aplicar la pintura en
capas muy delgadas sobre fondo blanco, la obra se pintaba por secciones y al
terminar cada una, se dejaba secar el exceso de aceite.
5. EL ARTE EN LA HISTORIA
PREHISTORIA
ÉPOCA PALEOLÍTICA
Las manifestaciones pictóricas de esta época
son llamadas pinturas rupestres. Estas pinturas se han localizado en diversas
regiones del mundo, generalmente en las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando
grandes dimensiones. La pintura rupestre responde a la expresión de una cultura
cazadora, se le atribuye un carácter mágico - religioso porque se presume fueron
realizadas como rituales para conseguir buena cacería. Las figuras que pintaban
eran de animales, estas primeras manifestaciones plásticas en el principio eran
líneas trazadas con los dedos sobre las partes blandas de las paredes de la
cueva, luego interviene el color, rojos y negros mayormente. A esta primera fase
del arte rupestre se le ha denominado Auriñaciense, en esta fase las figuras
aparecen hechas con trazos burdos, los animales los realizan de perfil y las
figuras se presentan aisladas. Luego, hay una segunda fase, la Solutrense, en
donde se observan ciertas figuras moldeadas, interviene el color y los perfiles
aparecen paralelos; posteriormente, hay una tercera fase llamada Magdaleniense,
en ella se presentan escenas de caza, de lucha, etc. y se observa una asociación
de la figura humana con la figura animal en las representaciones, hay variada
policromía y el empleo del claroscuro como elemento expresivo. Hacia finales del
Paleolítico, la característica esencial de las pinturas es la esquematización de
las formas, adquiriendo así mayor movimiento y dinamismo.
PINTURA: Las primeras manifestaciones pictóricas provienen de la época
paleolítica o de la Piedra Tallada, a esta se le denominó Pintura Rupestre.
Estas pinturas se han localizado en diversas regiones del mundo, generalmente en
las paredes de cuevas y cavernas, alcanzando grandes dimensiones. Responden a la
expresión de una cultura cazadora, se le atribuye un carácter mágico-religioso
porque se presume fueron realizadas como rituales para conseguir buena cacería.
Las figuras que pintaban eran de animales, estas primeras manifestaciones
plásticas en el principio eran líneas trazadas con los dedos sobre las partes
blandas de las paredes de la cueva, luego interviene el color, rojos y negros
mayormente. Hacia finales del Paleolítico, la característica esencial de la
pintura rupestre es la esquematización de las formas, adquiriendo así mayor
movimiento y dinamismo.
ESCULTURA: Del Auriñaciense datan las primeras esculturas de forma
humana. Son figuras femeninas, en hueso, marfil o piedra, de pequeño tamaño,
relacionadas con el culto a la fecundidad. Se las conoce con el nombre genérico
de Venus. Entre las más conocidas tenemos a las Venus de Willendorf, Lespugue,
Savignano y Grimaldi.
ARQUITECTURA: En el Neolítico o Edad de Piedra Pulimentada, la pintura y
la escultura pierden importancia y en cambio se desarrolla al final del período
una arquitectura de enormes piedras que recibe el nombre de Arquitectura
Megalítica, formados por bloques inmensos de piedras, estos monumentos son de
varios tipos: Menhir, Trilito, Dolmen y Cromlech.
- ARTE EGIPCIO
La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata; resulta ser un medio
excelente para transmitir un mensaje estético, creando un ambiente cargado de
religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la armonía de las
formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que la hacen
atractiva, mágica, natural y contemplativa. Con respecto a la representación de
la figura humana, esta se caracteriza por los siguientes rasgos: Ley de Torsión
o Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies
de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo
seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos
tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter
decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas
y palacios.
ARQUITECTURA: Una de las grandes creaciones del genio egipcio es la
arquitectura, arte en que dejaron monumentos que asombran por su grandeza,
hermosura y por la habilidad de los ingenieros constructores. Entre sus obras se
destacan los Monumentos Funerarios: Mastabas, Hipogeos y Pirámides, y los
Monumentos de Culto: Speos y Templos.
PINTURA: La pintura egipcia posee una sensibilidad artística innata;
resulta ser un medio excelente para transmitir un mensaje estético, creando un
ambiente cargado de religiosidad; en ella se observa la pureza de la línea, la
armonía de las formas, el equilibrio compositivo y una gran gama de colores que
la hacen atractiva, mágica, natural y contemplativa. La representación de la
figura humana se caracterizó por los siguientes rasgos: Ley de Torsión o
Frontalidad: cabeza, brazos y piernas de perfil; hombros, ojos, vientre y pies
de frente. Se destaca la silueta de la figura. Es detallista. Utiliza trazo
seguro y firme. Superposición de figuras y gran colorido, logrando diversos
tipos de armonías. Representación de escenas de la vida real. Carácter
decorativo en atención a que ella es empleada en las paredes de templos, tumbas
y palacios.
ESCULTURA: A lo largo de su historia, la escultura egipcia pasó por
distintas etapas en cada una, por causas políticas y religiosas cambió de
dirección, desde la inspiración naturalista a la construcción idealizada de la
figura. Se destacan: el Cheik-el-Beled, el Escriba Sentado, Rahotep y Nefret, la
cabeza de Nefertiti, los Colosos de Memmón y la gran Esfinge de Gizeh, entre
muchos otros.
ARTE GRIEGO
Floreció entre los siglos VII y II antes de
C., en Grecia y otros territorios del Mediterráneo habitados por los griegos. Se
caracteriza por su idealismo estético, proporcionalidad, equilibrio de los
elementos y su interés por reflejar la expresividad genuina en la figura humana;
por ello, desarrollaron una gran perfección en el dibujo. El atletismo, tan
cultivado por estos pueblos, brindó a los artistas sus mejores modelos. La
sencillez, el ritmo, la claridad y la unidad dominan todas sus formas
artísticas; así, los griegos alcanzaron sus mayores logros en la cerámica, la
escultura y la arquitectura.
El arte griego comienza aproximadamente en los siglos V y IV. Se caracterizó por
darle a sus obras el mayor sentido de la proporcionalidad, por expresar armonía
y equilibrio de elementos y por reflejar una genuina expresión de humanismo.
Grecia, es una pequeña península situada al sureste de Europa. Pero en este
pequeño país nacieron las primeras ideas que dieron forma a la cultura
occidental, de tal modo que nuestros conocimientos y modos de pensar son una
consecuencia de la filosofía, la ciencia y el arte de los griegos.
ARQUITECTURA: En la arquitectura griega no se empleó ni el arco ni la
bóveda. El elemento sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas.
El sistema de construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan por orden
jerárquico, los templos como exponentes principales, luego, los teatros, las
acrópolis, los propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las
ágoras y los monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas
dieron origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y
Corintio.
MATERIALES UTILIZADOS: Los griegos usaron de manera preferente el mármol,
el cual pulían de forma cuidadosa; también emplearon la piedra.
ESCULTURA: La escultura griega no está sujeta ni a reglas ni a
convencionalismos. El escultor tiene libertad de expresión, sin embargo, toda
ella busca y logra la perfección humana, por tanto es una escultura dedicada a
exaltar la fuerza física, la perfección de los rasgos, el movimiento y la
expresión de la divinidad. Su tema central gira en torno a la figura humana. La
escultura griega pasa por 3 períodos épocas o fases evolutivas, con
características propias en cada una de ellas. Estas son:
- Arcaica: Se caracterizó por ser una época en donde los
escultores buscan un estilo y una técnica propios. En ella aparece la figura
femenina y masculina, al inicio estas figuras eran de tipo hierático, sin
movimiento, pero luego surgieron ideas de movimiento, los brazos se despegan del
cuerpo y el rostro expresa una curiosa sonrisa. Las esculturas eran hechas como
ofrenda a los deportistas. Son de esta época: El Kouros de Anavyssos (atleta),
la Dama de Auxirre o Xoana (doncella vestida), la cabeza del caballero Rampios,
etc.
- Clásica: esta época significó el período de mayor auge en todas
las manifestaciones artísticas y literarias. Los escultores logran la perfección
de sus técnicas, así como las mejores piezas escultóricas, en donde se observa
la magnificencia de la figura humana. Esta época tiene 2 períodos: el estilo
Sublime, en el que se destacan escultores como Mirón, Fidias y Polícleto, y el
estilo Bello, donde se destacan Scopas, Praxiteles y Lisipo, ambos estilos
tenían características propias.
- Helenísta: esta época corresponde al fin del arte griego, las
obras de esta época toma modelos de las anteriores, perfeccionándolos,
demostrando una gran capacidad de realización, entra la figura del niño como
tema. La escultura adquiere caracteres de monumentalidad, dominando lo
pintoresco, lo grotesco, lo episódico, etc. El retrato pasa a un primer plano.
En este período surgen diferentes escuelas, entre las más importantes: las
Escuela de Pérgamo, la de Rodas y la de Alejandría.
PINTURA: Muy poco es lo que se conoce de los pintores griegos, sin
embargo, si es de conocimiento la maestría que se manifestaba en los increíbles
efectos de realismo que sabían producir por descripciones de algunas pinturas.
Pero su obra se ha perdido casi toda, y lo que ha quedado son copias y
fragmentos que no dan una idea clara de cómo era aquella pintura. Se destacan:
Polignoto, Apolodoro de Atenas, Agatarco de Samos, Zeuxis, Parrasio y Apeles.
CERÁMICA: Esta constituye en las artes menores la mejor y más variada
expresión en lo que a decorado y pintura se refiere. Esta variedad nos da una
muy completa evolución de su cultura. Con un estilo y técnicas propias, se
caracteriza por tener formas variadas y originales, predominan los elementos
geométricos dispuestos en franjas, las tonalidades del barro, desde el amarillo
hasta el gris castaño, presenta figuras en rojo sobre fondo negro o rojo el
fondo y figuras negras, predominan formas animales y humanas.
ARTE ROMANO
Resulta de las influencias etruscas y griegas,
alcanzó su mayor esplendor en la época del Imperio. Se desarrolló en Italia
desde el año 200 antes de C., hasta el siglo IV después de C., algunos lo
consideran inferior al arte griego, pero en realidad fue más variado, más
flexible y en ciertos aspectos se acerca más al arte moderno; así, su influencia
en el arte de la Edad Media y del Renacimiento fue notable. Sus mayores logros
los presenta en el desarrollo de la arquitectura; por ello, el dibujo y la
pintura la realizaban a servicio de esta, predominando los murales. Los temas
eran asuntos bélicos, eróticos, leyendas heroicas, paisajes, marinas, naturaleza
muerta y el retrato. A partir del siglo I, se observan dos corrientes pictóricas
o estilos: el estilo Neoático, que se preocupa por la forma humana, resaltando
asuntos de la mitología y epopeya y el estilo Helenístico - Alejandrino, que
pone de manifiesto la preocupación por la pintura rural, se cultivan el paisaje
y las marinas. Al iniciarse el siglo II hasta el 79 de nuestra época (pintura en
Pompeya), se observan cuatro estilos: de incrustación, alejandrino o
arquitectónico, ornamental y fantástico.
Roma fue un pueblo de labradores, de comerciantes, de guerreros. Los romanos
mostraron mayor interés por las cosas prácticas y sus obras artísticas llevan
siempre un sello utilitario. Pueblo dominador, fundador de un vasto imperio, el
romano tuvo por preocupación fundamental mantener el dominio sobre los
territorios colonizados, para lo cual movilizó poderosos ejércitos, dio vida a
un denso cuerpo de leyes que apretó los lazos entre la metrópoli y las
provincias, y desarrolló una gigantesca labor constructiva con un variado
repertorio de formas arquitectónicas perfectamente adaptadas a sus fines. Sus
dos grandes realizaciones fueron el Derecho y la Arquitectura, pero su mérito
principal es haber extendido la civilización grecolatina por una vasta parte del
mundo conocido.
ARQUITECTURA: Su finalidad es utilitaria, está concebida en función de
las necesidades privadas y públicas. Expresa la voluntad de poder y de mando del
Estado romano, que se erige como rector de la vida privada y pública de sus
ciudadanos. Es monumental, hecha pensando en la glorificación de Roma y para
resistir el paso y el peso del tiempo. Más que la belleza busca la majestad y la
robustez, por lo que se muestra en grandes masas sólidas y pesadas. Expresa el
ideal de uniformidad del Imperio, que aspira a que todos los pueblos sujetos a
su dominio asuman una fisonomía material a imagen y semejanza de la Urbe.
Alterna dos sistemas conocidos: el de la columna y dintel (copiado de los
griegos), y el arco y bóveda (tomado de los etruscos). Sus principales
monumentos fueron: el templo, la basílica, las termas, los teatros, los
anfiteatros, los circos, etc.
LA ESCULTURA: Se mueve entre los polos contrarios de idealismo y realismo
y su tema casi central es el retrato. En sus comienzos, la influencia etrusca se
hace presente en algunos bronces, luego la influencia griega a través de los
escultores helénicos que vivían en Roma o en la Magna Grecia, así como de las
obras descubiertas en suelo griego y llevadas a Roma, impulsa la corriente
idealista. El enfrentamiento de ambas tendencias se advierte en obras del
período republicano.
PRINCIPALES CARACTERÍSTICAS: Creada con un destino utilitario que se
cumple en su función narrativa, honoraria o descriptiva. Más que un arte es una
artesanía supeditada a exigencias religiosas honoríficas o conmemorativas.
Cultiva con preferencia el retrato llevándolo a su máxima identificación con el
modelo. Es un arte naturalista. Es una obra anónima.
PINTURA: La conocemos a través de los frescos hallados en la ciudad de
Pompeya, que suelen ser copias griegas o caprichos decorativos de gracia
picaresca como cupidos, pájaros, cintas, flores, etc. Los temas son históricos,
mitológicos paisajísticos y marineros. También en ciertos períodos se hizo una
pintura arquitectónica, que imita a los elementos constructivos. Lo interesante
de la pintura romana es la técnica de manchas de color al temple, aplicadas con
brochazos sueltos, sin detallar, a la manera impresionista y con efectistas
toques de sombra y luz. También en la pintura domina el gusto realista por lo
que los temas preferidos, son el retrato, la caricatura y el paisaje.
ARTE ROMÁNICO
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante
el período que se conoce como Baja Edad Media, se forma en Europa un arte al que
se le da el nombre de Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que
tiene su origen, que es el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos de
edificios y técnicas constructivas. Este estilo o arte se ha denominado
románico, por la semejanza con el vocablo romance, el cual designa los idiomas
derivados del latín.
ARQUITECTURA: Es una arquitectura religiosa, de creación monástica,
porque son los monasterios y los conventos los que la impulsan. Su edificio tipo
es la Iglesia. Expresa el ideal de austeridad y recogimiento, de disciplina y
penitencia. Desde el punto de vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas
de arco y bóveda, por ser estos sus elementos funcionales básicos. Tiene una
apariencia robusta y pesada. El principio de sustentación es estático, pues
enfrenta masa contra peso. Presenta un exterior sobrio, de muros desnudos y
lisos, interrumpidos nada más que por los elementos de refuerzo, que van
incorporados a la estructura. Otros elementos constructivos: contrafuerte,
columnas, pilares, cúpulas.
ESCULTURA: Está subordinada a la arquitectura, que determina los lugares
y espacios que deben cubrirse con relieves o estatuas. Su finalidad no es
artística sino didáctica: dar a conocer a los fieles las figuras y verdades
sagradas para su instrucción religiosa. Estilización y desproporción: las
figuras no guardan las proporciones naturales. Tampoco guardan la debida
perspectiva ni la relación de tamaños que se debe a la diferente profundidad a
que están las figuras. En los relieves, la diferencia de tamaño significa la
importancia del personaje. Composición simétrica: las escenas se componen,
guardando una relación simétrica. En los tímpanos, la composición tiene siempre
como eje la figura de Cristo.
PINTURA: La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas
extensiones de pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello,
también la pintura era un arte subordinada a la construcción. La falta de
perspectiva, los colores planos, la composición simétrica, la rigidez de las
figuras y la inexpresividad de los rostros, que muestran siempre su mirada
asombrada, prueban una indudable influencia oriental a través del arte de
Bizancio. La técnica empleada es la del Fresco, notables ejemplos son las
iglesias románicas catalanas, de fulgentes colores y motivos abstractos de
significado simbólico; y las iglesias italianas, donde las escenas religiosas
pintadas muestran ya cierto empeño en copiar la naturaleza con fidelidad.
ÉPOCA MEDIEVAL
El arte de la Edad Media es esencialmente
religioso, aunque haya producido obras maestras de carácter profano; la época
medieval podemos dividirla en cuatro, ya que fue un largo período en las que se
produjeron distintos estilos de arte; el primero fue llamado Paleocristiano,
cuya pintura se inicia en las catacumbas, está llena de simbolismo y cabe
destacar la realización de los muy famosos mosaicos, los cuales eran de un gran
colorido y los temas eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la cruz,
etc. Luego, nace el arte Bizantino en la época de Constantino; en cuanto al
dibujo y la pintura, adquiere características propias, los artistas realizaban
excelentes mosaicos centrados en la representación de acontecimientos bíblicos
en las cuales se observa que las figuras representadas poseen un hieratismo
bastante acentuado que siempre están colocadas de frente. El Románico,
denominado así por la semejanza con el vocablo "romance" que designa a los
idiomas derivados del latín, se encargó de decorar el interior de muchas
basílicas e iglesias. Durante este período se pinta sobre ábsides y bóvedas
figuras estilizadas, llenas de incesante movimiento y colorido; la pintura
románica empleó las técnicas pictóricas al fresco y al temple; los temas solían
ser figuras de ángeles, santos, apóstoles, corderos, etc., también realizaron
pintura sobre madera (frontales) y muchas ilustraciones de biblias y evangelios.
Por último, aparece el arte o estilo Gótico, conjuntamente con tres connotados
fenómenos de la Edad Media: la formación de la clase burguesa, el desarrollo
comercial y la industrialización. La pintura gótica fue expresiva y realista,
manifestando el naturalismo en sus composiciones. El paisaje se introduce como
modalidad pictórica y en los dibujos las figuras se presentan estilizadas y poco
modeladas. Esta pintura casi desaparece por completo de las catedrales, puesto
que los grandes vitrales llenan los espacios y de esta manera queda reducida a
miniaturas de libros, tapices y retablos.
- ARTE GÓTICO
Entre los siglos XII y XV, florece en Europa un arte poderosamente original, que
fue llamado, un tanto despectivamente Gótico, en el sentido de bárbaro, por
suponerse que sus creadores habían sido los pueblos germánicos que ocupaban el
centro de Europa, y a los cuales se les designaba con el nombre de Godos.
También se conoce este arte como Ojival, por la forma apuntada (en ojiva) de sus
arcos y bóvedas, que recuerdan una punta de lanza de filos curvos. Los primeros
monumentos góticos se levantaron cerca de París, en la región llamada Isla de
Francia. Aquí se construye en el año 1140 el coro de la abadía de Saint Denis, y
en el 1163, se da comienzo a la catedral de Nuestra Señora de París, obras en
las que se resaltan los elementos propios del estilo. De Francia pasó a todos
los demás países de Europa, en cada uno de los cuales adoptó variantes locales,
pero con mantenimiento de sus rasgos esenciales.
FASES DEL GÓTICO
- LANCEOLADO (siglos XVII y XVIII)
Robusto, pesado y sencillo. Bóveda de cuatro paños de perfil en punta de lanza.
- RADIANTE (siglos XVIII y XIV)
Esbelto, ligero, muy adornado con esculturas, bóvedas de varios paños y formas.
- FLAMÍGERO O LLAMEANTE (siglo XV)
Arcos con ondulaciones de flama. Columnas muy delgadas. Gran altura de naves y
torres. Ornamentación escultórica apretada. Uso del arco conopial y de la bóveda
en forma de estrella.
ARQUITECTURA: El arte gótico se manifestó magníficamente en la
arquitectura, se construyeron casas particulares, palacios, edificios públicos,
castillos, puentes, fortalezas e iglesias. Pero en realidad, la obra máxima de
estos siglos fue la catedral, arquitectura extraordinaria que nunca deja de
asombrar a quien la contempla. Los elementos constructivos esenciales son el
arco apuntado, la bóveda de crucería ojival y el contrafuerte con su arbotante.
Esta arquitectura es de equilibrio dinámico y domina en ella la línea vertical,
lo que produce una impresión de impulso ascendente, acentuado por las formas
agudas de los arcos y la abundancia de elementos puntiagudos.
ESCULTURA: Las características de la escultura se pueden observar en los
santos, vírgenes, ángeles, reyes, profetas y figuras alegóricas que llenan el
interior y exterior de la construcción, haciendo de remate en pináculos,
cubriendo los frisos y las arquivoltas, los tímpanos y todos los espacios
posibles. Para dar idea de la decoración escultórica, bastará saber que la
decoración escultórica de la catedral de Chartres cuenta con más de ocho mil
figuras. Se destacan como escultores: Giovanni Pisano, Nicola Pisano, Andrea
Pisano, Klaus Sluter, Gil de Siloe y William Torell.
PINTURA: En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor
desarrollo, la pintura mural fue perdiendo importancia, sustituida por las
vidrieras, y a partir del siglo XIV aparece la pintura sobre tabla, consistente
en pequeños altares portátiles y retablos, formados por uno o varios paneles.
Tratan temas religiosos, con gran finura de detalles en la figura humana, pero
sin profundidad. Los pintores se esfuerzan por lograr la naturalidad y
reproducen gestos y ademanes con exactitud, un poco exagerado hacia lo
dramático. Lo más hermoso de estas tablas góticas es el colorido, que brilla con
intensidad de esmalte. Se destacan: Jean Fouquet, Juan Van Eyck, Rogerio Van Der
Weyden, Giotto, entre otros.
ARTE BIZANTINO
Bizancio, pequeña ciudad griega que había sido
cabeza de una provincia romana, asciende de repente (año 330), por decisión de
Constantino el Grande, al rango de capital imperial con el nombre de
Constantinopla. Medio siglo después, el emperador Teodosio divide su reino entre
sus dos hijos, y crea dos Estados Independientes: el Imperio de Occidente, con
Roma como capital, y el Imperio de Oriente, con centro en Bizancio. La caída del
Imperio de Occidente (año 476) echa sobre Bizancio la herencia espiritual de
Roma y acrecienta su importancia como poder político y artístico, que le llegará
a su cúspide con el glorioso Justiniano. Pero la situación geográfica de
Bizancio, en las puertas de Asia; su alejamiento de las fuentes latinas y el
contacto estrecho y continuo con los reinos de oriente, influyen sobre ella en
forma que si, por una parte, mantiene su título de hija y continuadora de la
cultura clásica, por otra, Bizancio ofrece los rasgos de una monarquía exótica,
teocrática y despótica; fastuosa y bárbara, cuyas costumbres, gustos y
estructuras pertenecen más al mundo asiático que al grecolatino, lo cual se
refleja en su arte.
ARQUITECTURA: Está inspirada en las arquitecturas de los países con que
Bizancio estuvo más en contacto o que formaban parte de su misma tradición
histórica y cultural. Por eso en sus construcciones encontraremos elementos
tomados de los romanos, de los griegos, de Siria o de Persia, combinados con
otros de su propia invención. Entre los más importantes tenemos:la cúpula, las
trompas y pechinas, la bóveda, el arco, los contrafuertes, las columnas y las
torres. La construcción más importante de la arquitectura bizantina es la
Iglesia.
PINTURA: Presenta dos modalidades muy interesantes: la mural, destinada a
la decoración del interior del templo; y la de caballete, que produce pequeñas
piezas sobre tablas de madera, llamadas Iconos, es decir, imágenes. La primera
se pintaba al óleo o al temple, y eran grandes composiciones de tema religioso,
con un carácter simbólico que agradaba mucho a la mentalidad abstracta del
oriental. En los grandes espacios formados por bóvedas y cúpulas se
representaban escenas alegóricas en las que entraban la Virgen o el Cristo: la
Resurrección, el Juicio Final, la Gloria, etc.
LOS MOSAICOS: No es posible hablar del arte mural bizantino sin
referirnos a una de sus más hermosas creaciones: el mosaico. Consistía en la
composición de grandes escenas, generalmente religiosas, pero no pintadas sino
hechas con pequeñas piezas de cerámica o de mármol de colores (llamadas
teselas), que se iban pegando a una base debidamente preparada, sobre la que se
había hecho el dibujo previo de las figuras que se querían representar. La gran
diversidad de colores y matices de estas teselas permitía dar a las figuras
todos los efectos de la pintura, en lo que se refiere a tonalidades, sombras,
formas, etc.
ESCULTURA: En los primeros tiempos, la escultura bizantina es una
prolongación del arte helenístico que produce retratos de gran vigor. Pero
después de la revolución de los iconoclastas, que acabaron con todas las
imágenes religiosas de bulto y prohibieron el culto de las mismas, la escultura
perdió importancia y quedó reducida a las artes menores del marfil, el esmalte,
el bronce y el oro, materiales en los que se trabaja el bajo relieve con gran
maestría.
RENACIMIENTO
El Renacimiento comenzó como un movimiento
orientado por artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo;
es un renacer de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de
vista ético y estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida
cristiano. Para ellos el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a
la iglesia, sino un himno personal en alabanza a la belleza; así, se perfecciona
el dibujo y se utiliza como base de la pintura. La cuna del Renacimiento fue
Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en seguida de la influencia
gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo concepto de la belleza. En
el dibujo, los cuerpos adoptan formas naturales y se vuelven plásticos; se
procura destacar la expresión facial, que algunas veces revela los grandes
conflictos del alma, un ejemplo de ello es la expresión de desesperación que
Masaccio le dio a Eva en su cuadro Expulsión de Adán y Eva del paraíso. En el
siglo XV adquiere preponderancia el retrato, a las personas pudientes les gusta
retratarse de busto o en medallón, y por tanto surge multitud de personas cuyos
rasgos quedan labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre la profusión
de vírgenes y santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana sensualidad
en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las referentes a
mártires y pecadores. Al principio, la mayoría de las imágenes alusivas a la
carne pecadora se situaban en la periferia de grandes escenas decorativas, donde
el artista tenía más libertad de expresión; ya en el siglo XIV, se prefiere
interpretar estos temas por medio del desnudo femenino. Entre los representantes
más significativos del Renacimiento, podemos destacar por sus majestuosas obras
pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti, Durero, Tintoretto, El
Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sanzio; de ellos, algunos como Leonardo de
Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya que a través del dibujo
realiza sus famosos estudios anatómicos; sus dibujos están plenos de rasgos
finos pero firmes, destacando las expresiones humanas y también se puede
apreciar que están envueltos en una sutil y fina aureola de luz difusa.
Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico que se produce
en Europa, en Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como
principal característica, que se manifiesta particularmente en las artes, su
admiración por la antigüedad clásica, que toma como modelo. El nombre de
Renacimiento alude a lo que este movimiento quiso ser: un renacer o volver a
nacer de la cultura grecolatina. Comenzó como un movimiento orientado por
artistas e intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo; es un renacer
de las artes donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y
estético se liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos
el arte ya no era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un
himno personal en alabanza a la belleza.
La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente la pintura no se liberó en
seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó hacia un nuevo
concepto de la belleza. La cultura greco-romana había sido desplazada durante la
Edad Media. En esta época lo novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en
Roma, estas nuevas concepciones artísticas, enmarcadas en el acto religioso no
tienen mayor auge, debido a los recelos de los sabios humanistas orientales que
emigran a esta ciudad después de la caída de Constantinopla; es así como al ser
rechazado el estilo gótico y bizantino, y puestas en un primer plano las
antiguas formas greco-romanas, surge el arte del renacimiento, que se expande
por toda Europa (Francia, Inglaterra, Alemania y la Península Ibérica,
especialmente).
PRINCIPALES CAUSAS DEL RENACIMIENTO
- Conservación en universidades y conventos medievales de valiosos manuscritos
de autores griegos y romanos.
- Uso del latín como lengua culta, que hacía posible la lectura de las obras
clásicas.
- La presencia en tierra Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en
los curiosos el deseo de conocer la civilización que había levantado tales
monumentos.
- La invención de la imprenta, que contribuyó a la difusión de los escritos de
los poetas, filósofos y sabios de la antigüedad y de los modernos.
- Los descubrimientos geográficos, el avance de las ciencias naturales y el
progreso de las técnicas que inspiran una confianza ilimitada en el poder de la
inteligencia humana y estimulan a la acción.
CARACTERÍSTICAS GENERALES DEL ARTE RENACENTISTA
- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón
universal, les dan una validez permanente.
ETAPAS DEL RENACIMIENTO
- PRERRENACIMIENTO O TRECENTO: siglos XIII y XIV. Coincide con el período
gótico europeo.
- QUATROCENTO: llega hasta finales del siglo XV y su centro cultural es
la ciudad.
- CINQUECENTO: llena todo el siglo XVI y su cabeza es Roma.
ARQUITECTURA
La arquitectura del renacimiento empleó los órdenes clásicos (jónico, corintio y
dórico), combinándolos entre sí en un mismo tipo de construcción, pero no tal y
como aparecen en la arquitectura grecorromana sino al amparo de la inventiva y
originalidad del arquitecto renacentista, de esta manera surge el estílo
"colosal" propio de esta arquitectura.
En este nuevo acontecer arquitectónico se le da mucha importancia a la
arquitectura civil, construyéndose los Palacios Municipales, que presentan un
aspecto de fortaleza, el Palacio de Habitación, que es de inventiva renacentista
y presenta en su exterior forma de cubo con tres pisos, que culmina en una
cornisa; y las Villas, que fueron construidas en las afueras de Roma, tenían
grandes pabellones con terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y
parques.
La arquitectura religiosa renacentista, utiliza en sus inicios la planta de la
basílica cristiana, sin embargo, el centro adquiere mayor importancia por el
empleo de la Cúpula, que desplaza a la ojiva gótica y presenta los famosos Ojos
de Buey (aberturas circulares). En relación con los elementos constructivos,
tenemos que los muros son de ladrillo o sillería, con apariencia robusta, las
bóvedas usadas fueron: las de "cañón seguido", "rincón de claustro", "de arista"
y la "cúpula"; se usan arcos de medio punto; las ventanas suelen ser de varias
formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio punto subdividido en otros
dos), con alfeizar saliente, o en forma de tabernáculo.
En lo que respecta a la decoración de las obras arquitectónicas, se observa que
se emplearon varios elementos, estos son:
- La Escultura: cubre toda la superficie de los monumentos como un sutil manto,
en sus inicios; luego se realizan esculturas en bulto que adornan el conjunto
arquitectónico, posteriormente hay una gran profusión de ésta envolviendo por
completo el conjunto lineal arquitectónico.
- La Policromía Natural: consiste en el empleo de diversos materiales naturales,
los cuales al ser combinados reflejaban una diversidad de tonos; por ejemplo,
combinaron el mármol blanco de las paredes con la piedra de los muros.
- El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las paredes finos relieves pintados
con dos colores.
- Los Frescos y Mosaicos: llenan las cúpulas y paredes interiores de la
construcción, se empleó una diversidad de tonos, los cuales los hacía muy
llamativos.
- Los Frontones: son de inventiva romana, colocados casi siempre sobre puertas y
ventanas, generalmente son rectilíneos, pero en ocasiones pueden ser
triangulares o curvilíneos.
- Las Pilastras: son columnas que se colocan contiguas a una pared. Las
pilastras tienen sus orígenes en la arquitectura romana.
ARQUITECTOS RENACENTISTAS
- ITALIA: Filippo Brunelleschi, Donato Bramante da Urbino, Rafael Sanzio,
Miguel Ángel Buonarroti.
- ESPAÑA: Diego de Siloé, Juan Herrera.
- FRANCIA: Salomón de Brosse.
ESCULTURA
El origen de la escultura renacentista se remonta al siglo XIII, en Toscana, con
el escultor Incola Pisano, quien se encarga de esculpir del púlpito del
Baptisterio de la catedral. Este escultor es el que se atreve a exteriorizar la
ruptura con la severidad bizantina y con las ideas artísticas del arte gótico,
pero su obra queda aislada.
Es en los siglos XIV y XV, donde se comienza la época de mayor furor de la
escultura renacentista. En esta época se advierte:
- Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o natural.
- Expresión de los sentidos y pasiones humanas.
- Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.
- Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas, etc.
La escultura renacentista es el primer medio expresivo que reacciona contra el
estilo gótico. Esta presenta variaciones de acuerdo con el siglo en que se
desarrolla. Así es como al siglo XIII se denominó Época Arcaica, los siglos XIV
y XV, Época Clásica y el siglo XVI, Época Barroca.
SIGLO XIII. ÉPOCA ARCAICA
Surgen los primeros intentos del nuevo estilo
escenificado en las obras de los "pisanos", Incola, Giovanni y Andrea Pisano.
- Entre las características de estas primeras obras tenemos:
- Expresión de sentimientos humanos.
- Inspiración en la antigüedad clásica.
- Realización de "Madonas".
- Ropaje y accesorios profusamente trabajados.
SIGLO XIV Y XV. ÉPOCA CLÁSICA
Durante estos siglos existe una gran
producción de obras de arte. La actividad artística se encuentra centrada en la
ciudad de Florencia sobre todo en el siglo XV. Sus principales representantes
son Donatello di Betto Bardi y Lorenzo Ghiberti. Además, cabe destacar la
importancia en este siglo de las obras escultóricas de los Della Robia, Andrea y
Lucca. Estos escultores, realizaron e introdujeron una nueva modalidad
escultórica-pictórica, los relieves realizados con barro cocido policromado y
vidriado.
Las características de esta época son, entre otras:
- Adornan monumentos (tribunas, coros, sepulcros, etc.)
- Diversificación temática.
- Efectismo pictórico.
- Gran destreza en la ejecución de obras hasta llegar al perfeccionismo.
SIGLO XVI. ÉPOCA BARROCA
Durante este siglo la figura más resaltante es
Miguel Ángel Buonarroti, quien realiza numerosas obras con características muy
propias, que lo distinguen de otros escultores de la misma época, también
sobresale la obra de Benvenuto Cellini, entre otros.
Entre las principales características de estas obras tenemos:
- Fuerza expresiva, dinamismo, dramatismo.
- Dominio anatómico.
- Figuras llenas de abundante vitalidad.
- Demostración de gestos y actitudes en sus figuras.
- Fuerte influencia clásica.
- Materiales: bronce y mármol preferiblemente.
PINTURA
La pintura renacentista está plena de religiosidad, sin embargo, cada artista
busca su propio estilo, en donde el retrato y la representación del paisaje
tienen mucha importancia.
Durante el renacimiento surgen diversas escuelas, estas adquieren el nombre de
la ciudad donde se desarrollan, entre estas se citan: la Escuela Florentina, la
Veneciana, la de Siena, la de Umbría, la de Parma, la de Verona, la de Padua, la
de Milán y la de Carrara.
Los pintores también se agrupan, pero por generaciones, así, tenemos los del
Quattrocento (1400) y los del Cinquecento (1500). Hay otra clasificación muy
utilizada para caracterizar las obras pictóricas del renacimiento, la cual es:
Renacimiento Temprano: que abarca desde el año 1420 hasta el año
1500 y cuyos representantes más significativos son Fran Angélico de Fiesole,
Masaccio, Piero della Francesca y Sandro Botticelli, entre muchos otros, con
pinturas verdaderamente grandiosas.
Alto Renacimiento: que comprende el período que va desde el año
1500 hasta el año de 1527, en el cual se destacaron famosos pintores: Miguel
Ángel, Leonardo da Vinci, Tiziano, Pablo Veronés, Tintoreto, Rafael Sanzio, Juan
Van Eyck, Alberto Durero, Jean Cousin y el Greco.
CARACTERÍSTICAS DE LA PINTURA RENACENTISTA
- Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la
religión, de la mitología o de la historia.
- Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están
reproducidos con el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos
reales.
- El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio
de los recursos que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la
ilusión de profundidad. El punto de vista del pintor suele estar en el centro
del cuadro.
- La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados.
Suele preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras.
- En cuanto a los esquemas de composición preferidos, el triangular (con el
vértice arriba o invertido) y el rectangular con la división del espacio en
segmentos áureos. En algunos casos, los triángulos son dos combinados.
En general, es una pintura dibujística, que se fundamenta en el poder definidor
y expresivo de la línea, y considera el color como un accidente de la materia de
importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y
su separación del fondo es absoluta.
Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya
anatomía se estudia y copia cuidadosamente.
A partir del siglo XV, se usará en vez del temple, la técnica del óleo,
inventada por los pintores flamencos, que facilitará el desarrollo de la pintura
de caballete.
EL DIBUJO Y EL GRABADO
Los grandes pintores del renacimiento fueron dibujantes de primera. Los apuntes,
bocetos y estudios que conocemos de Boticelli, Durero, Buonarroti, da Vinci o
Sanzio, quienes se destacaron por su majestuosa obra pictórica, revelan gran
maestría en el manejo del lápiz. El que más se destaca como dibujante es
Leonardo da Vinci, ya que a través del dibujo realiza sus famosos estudios
anatómico. Su dibujo está pleno de rasgos finos pero firmes, destacando las
expresiones humanas.
Sin embargo, el dibujo como técnica independiente, con valor por sí misma, no
fue considerado en la época, quedando reducido sólo a un medio auxiliar de la
pintura, para tomar apuntes rápidos del natural o hacer estudios de composición,
perspectiva, movimiento, anatomía y otros aspectos del cuadro que iba a
pintarse.
Las técnicas que solían emplear eran el carboncillo, la sanguina, el lápiz y la
tinta sobre papel. Pero si el dibujo no tuvo mucho interés para los artistas del
renacimiento, en cambio el grabado, sobre todo entre los alemanes fue muy
cultivado y se trabajó como una técnica autónoma, paralela a la de la pintura,
en sus dos formas principales: el grabado en metal (calcografía) y el grabado en
madera (xilografía), a cuya difusión contribuyó el reciente invento de la
imprenta en 1450.
BARROCO
Este estilo se inicia en Italia en el siglo
XVI y perdura hasta finales del siglo XVIII, se extendió por todos los países
europeos, desarrollando características propias en cada país. En este arte hay
una marcada predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos,
aparecen composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos
y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. Las representaciones
de personas o de gente del pueblo aparecen con sus vestimentas normales, pero en
los retratos de clase social alta, son más adornadas las vestimentas, pelucas,
encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc.; sin embargo, lo que más
caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces y sombras, la
intensidad dramática y el empleo del color. En Italia se produjeron dos
corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista, en este país se
destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia destacaron
Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en España el barroco
se torna serio y formal, representado magistralmente por Diego Rodríguez de
Silva y Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y Bartolomé Esteban
Murillo. En los países bajos el barroco generó dos escuelas: la Flamenca, que
tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada por Pedro Pablo
Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual produjo un
nuevo estilo y contó con dos importantes personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan
Vermeer o Van der Meer de Delft.
Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y parte del XVIII, su punto de
partida fue Italia, Roma, concretamente, donde dejó monumentos grandiosos en el
orden de la arquitectura. De Italia pasó al resto de Europa y llegó incluso a
Rusia. A través de España, el Barroco se difundió por toda América y alcanza su
momento culminante en el siglo XVIII.
ARQUITECTURA: Los dos tipos de obra arquitectónica que el barroco
desarrolla son la Iglesia y el Palacio. La iglesia, como típico estilo tiene dos
robustas torres laterales que enmarcan la gran linterna con su cúpula. El
palacio, que toma por modelo el de Versalles, consiste en una larga edificación
de varias plantas, cuyo cuerpo central contiene la mayor densidad de elementos
decorativos y forma un frontis de gran valor artístico. Elementos esenciales del
palacio barroco son las galerías, que son salones largos, abovedados y con
ventanales, y la escalera "a la imperial".
PINTURA: En este arte hay una marcada predilección por el naturalismo, el
dinamismo y los efectos ópticos, aparecen composiciones de naturaleza muerta,
bodegones, animales, vida de santos y de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas
asimétricos. Las representaciones de personas o de gente del pueblo aparecen con
sus vestimentas normales, pero en los retratos de clase social alta, son más
adornadas las vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros,
etc.; sin embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de
las luces y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color. En Italia se
produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista,
en este país se destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en
Francia destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain;
en España el barroco se torna serio y formal, representado magistralmente por
Diego Rodríguez de Silva, Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y
Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos el barroco generó dos escuelas:
la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes y fue representada
por Pedro Pablo Rubens, Antón Van Dyck y Jacob Jordanes, y la Holandesa, la cual
produjo un nuevo estilo y contó con dos importantes personajes: Rembrandt H. Van
Rijn y Jan Vermeer o Van der Meer de Delft.
ESCULTURA: La escultura barroca muestra las siguientes características:
- MOVIMIENTO: las figuras se representan en alguna acción violenta
y en actitudes de esfuerzo y tensión. Las ropas participan también de esta
agitación y se arrugan en pliegues que revolotean como sacudidos por el viento.
- PATETISMO: gusta de la expresión de estados anímicos emotivos
tales como: éxtasis, miedo, ansiedad, etc., que los rostros traducen con el más
vivo verismo.
- CLAROSCURO: se buscan efectos propios de la pintura, de manera
que los cuerpos se perciben como envueltos en una atmósfera luminosa.
- TEATRALIDAD: existe una propensión a lo exagerado y a las
actitudes elocuentes que hacen de ella una representación dramática.
EL ROCOCÓ
Estilo característico del siglo XVIII europeo,
que sucedió al barroco y precedió al neoclásico. El término procede del francés
Rocaille, que designaba en el siglo XVII la decoración de las grutas y jardines
renacentistas a base de conchas. El Rococó floreció principalmente en Francia,
en un principio junto con el barroco, hasta que adquirió un lenguaje propio que
se difundió por toda Europa. Mientras la arquitectura conservaba su rigidez de
origen clásico, los elementos decorativos del rococó aportaron fantasía y
elegancia a las construcciones, pero fue sobretodo en los interiores donde la
decoración rococó consiguió los mayores logros.
ARQUITECTURA: Los adornos que, representando falsas rocas, adheríanse a
la arquitectura de las grutas y las cascadas, llamados rocallas, fueron el
principal elemento nuevo, introducido para sustituir el rígido sistema de los
órdenes clásicos, para evocar en la arquitectura el frescor y la alegría de lo
primitivo y lo campestre. Los palacios son los primeros en adoptar como
elementos básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas, conchas, etc.
ESCULTURA: Alemania acogió el rococó con tal entusiasmo que le fue
difícil desprenderse de él . Un gran escultor del siglo rococó fue Andrea
Schluter, autor de la efigie ecuestre del elector Federico Guillermo, en la cual
puede observarse como el movimiento de masas y líneas, que en el tiempo barroco
afectaba solamente a la concepción del conjunto, en el siglo XVIII fue utilizada
como un detalle para dar vida a cada pormenor de los cuerpos.
PINTURA: El carácter de la época rococó, enamorada de la intimidad,
favoreció en pintura, lo mismo que en la escultura, el cultivo del retratismo.
Este hubiese carecido de gracia sin el realismo, y por tanto, se inspiró en la
pintura holandesa y flamenca, especialmente en Van Dyck. El cliente ya no es el
Rey, con las grandes necesidades decorativas de un palacio, sino que se halla
entre los nobles y burgueses adinerados a los que ha dejado de interesar las
composiciones históricas y mitológicas, aunque a menudo, se complacen todavía en
hacerse retratar caracterizados como personajes de fábula.
NEOCLASICISMO
Fue un movimiento que se produjo en Europa en
el siglo XVIII ante los cánones ya agotados del clasicismo, al producirse el
desgaste de las culturas barrocas, que aspiraba restaurar el gusto y las normas
del clasicismo. En la época neoclásica, el color pasa a un segundo plano y
adquiere mucha importancia el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color es
aplicado sólo como complemento. Este arte trató de imitar los estilos utilizados
antiguamente en Grecia y Roma, por la influencia de los descubrimientos
arqueológicos como los de Pompeya y Herculano. En pintura David fue el máximo
exponente del neoclasicismo francés, que contó con pintores como Gross, Gèrard,
Prud´hon e Ingres, aunque en algunos de ellos ya apuntaba el germen del
Romanticismo, movimiento estético que habría de suceder al neoclasicismo.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
Inspiración en las obras de la época clásica, que se tienen por perfectas y
definitivas.
Aspiración a una belleza ideal, nacida de la exacta relación de las partes,
según medidas dadas por la razón.
En las artes plásticas: dibujo impecable, contornos cerrados, volúmenes
modelados de modo que da la ilusión de redondez de los cuerpos; colorido suave y
composición simétrica y estática.
ARQUITECTURA: Se caracterizó por la simetría, la elegancia y la
sobriedad, el empleo de un solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de la
superposición barroca); además del énfasis sobre los valores lumínicos, la
división tripartita de la fachada con tímpano central, la eliminación del color,
el gusto por los arcos de triunfo y las columnas conmemorativas.
ESCULTURA: Los escultores centran su interés en los ideales estéticos y
los procedimientos técnicos de la estatuaria antigua. El italiano Canova fue el
más destacado, seguido del danes Thorvaldsen, educado en Roma; otros
representantes de la época son: Bartolini, Rude, Pradler, Flaxman, entre otros.
PINTURA: Tomó como modelo la estatuaria antigua y el siglo XVI italiano
(Rafael). El artista que contribuyó de modo definitivo a afirmar el nuevo estilo
fue David, quien influyó en artistas franceses de la talla de Ingres, Gerard y
Prud´hon. En E.E.U.U. la influencia italiana e inglesa se fundieron.
ROMANTICISMO
Aparece en Francia a principios del siglo XIX
como una reacción violenta contra la frialdad del neoclasicismo. Si este
significaba la razón, serenidad y límite, el romanticismo era imaginación,
pasión e infinito.
CARACTERÍSTICAS PRINCIPALES
- SUBJETIVIDAD: el artista crea su obra a partir de sus emociones,
sentimientos e ideas íntimas.
- LIBERTAD DE EXPRESIÓN: no hay reglas fijas, sino que cada artista puede
manifestarse según su gusto y según las exigencias de la propia obra.
- SUPREMACÍA DEL FONDO SOBRE LA FORMA: lo importante es lo que el artista
expresa y no cómo lo hace. La forma de decir es secundaria y debe estar
determinada por la naturaleza del contenido.
PINTURA: Se caracterizó por el predominio del color sobre la forma. Eran
composiciones dinámicas, de gran movimiento y sus temas eran tomados de la
literatura y la historia medievales y de la realidad pintoresca. Artistas
importantes en el campo de la pintura fueron: Gericaúlt, Delacroix, Francisco de
Goya y Caspar Friedrich.
ESCULTURA: El movimiento tuvo sus orígenes en la primera mitad del siglo
XIX y representó una reacción contra la rigidez académica y la afirmación de una
libertad y eclecticismo absolutos. Se abandonaron los modelos de la antigüedad
clásica a favor de los ideales medievales.
REALISMO
El realismo surge como oposición al idealismo
de clásicos y románticos, proponiendo una realidad objetiva de los temas de la
vida común; el hombre debe aparecer dentro de su ambiente habitual, y su trabajo
cotidiano tiene que ser un motivo de fecunda inspiración. El término realismo
fue adoptado por un movimiento artístico que apareció en Francia a raíz de la
revolución de 1848 y que tuvo como principal representante al pintor Gustave
Courbet, cuyo arte representó las inquietudes sociales que invadieron a Europa a
mediados del siglo XIX.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
- Temas sacados de la vida real, sobre todo de la vida humilde y trabajadora,
expuestos con sentido de crítica social.
- Presentación de lo bello y lo feo como son, sin idealizarlos.
- Dibujo vigoroso, aunque no sea correcto; colorido sobrio e interés por los
contrastes del claroscuro.
- Técnica: la que proporciona la más completa identificación entre lo pintado y
la naturaleza.
- Representantes: Courbet, Daumier y Rousseau.
IMPRESIONISMO
La primera exposición presentada por un grupo
de impresionistas tuvo lugar en 1874 y el nombre les fue aplicado con intención
de ridiculizarlos, por los críticos que no veían con buenos ojos el nuevo
estilo. Los impresionistas querían captar la cualidad de la luz y de la
atmósfera en una hora particular del día a través de las cuales se ven los
objetos, pues su condición determina la apariencia de estos. La posibilidad de
retratar la luz en términos de la pintura fue resultado del nuevo análisis
científico de los colores. El fundamento de este movimiento pictórico se centra
sobre la base de que a nivel cerebral las manchas separadas de color se unen;
así, una mancha junto a otra azul, da por resultado un color verde si se miran
desde cierta distancia. Este principio lo tomaron en cuenta los pintores
impresionistas al realizar sus lienzos. La combinación de colores puros ya no se
hará sobre la paleta ni sobre la tela, sino que será el cerebro del espectador
el que los una para formar así las figuras. Se consideran iniciadores de este
movimiento a los artistas Claude Monet y Edouard Manet; también se destacan
Edgar Degas, Pierre August Renoir y Camille Pizarro. El manejo de la luz es la
característica primaria, a través del estudio de ella se logrará verificar que
un mismo paisaje se verá distinto de acuerdo con la hora del día en que se
pinte. A la par de los grupos impresionistas, nace un nuevo grupo de pintores
que logran perfeccionar las técnicas y posibilidades colorísticas impuestas por
este movimiento, estos son llamados Neoimpresionistas o Postimpresionistas,
destacan en este movimiento Paul Cézanne, Gauguin, Vincent Van Gogh y Henri
Toulouse Lautree.
EXPRESIONISMO
Fue un movimiento artístico plástico
emparentado con la literatura; nace en 1890 en Alemania y en los países del
norte de Europa, se extiende hasta bien entrado el siglo XX. Destacan en este
movimiento los artistas plásticos Edward Munch, Gustav Kimt, Oskar Kokochka,
Emil Nolde y Georges Rouault. La pintura expresionista busca y logra expresar
violentas emociones, va de dentro hacia fuera, al contrario de la impresionista
que va de fuera hacia dentro. Su objetivo fundamental era crear impetuosas
reacciones en el espectador, por medio de sentimientos y emociones del artista,
expresados con audacia de formas y rígido colorido.
FAUVISMO
En 1905 un grupo de jóvenes pintores expuso
sus obras y para designar su estilo, los críticos acuñaron el nombre de Fauvismo
por parecerles que aquellos artistas eran fauves (fieras). Como movimiento
artístico no duró más de cinco años, pero como estilo ejerció una influencia
mayor y más persistente en el uso del dibujo y el color que cualquiera otra
escuela del siglo XX. El fauvismo derivó de los fuertes colores y las vehementes
pinceladas de Van Gogh; de las formas simplificadas y los atrevidos esquemas
decorativos de Gauguin, y del desprecio que ambos demostraron por las cualidades
académicas formales de la composición. Henri Matisse, primera figura del grupo
original fauvista, en su pintura Gran interior en rojo, deja presente la
intensidad fauvista del colorido, aunque usado con resultados bastantes
diferentes, ya que naturalmente se considera al rojo como color brillante que
produce gran excitación y en este cuadro el efecto de la composición da una
sensación de profundo reposo.
CUBISMO
Este movimiento artístico surge en Francia
hacia 1907, y se extiende por todo el mundo. Se inspira en los postulados
artísticos de Paul Cézanne y de Georges Seurat; su planteamiento básico es
representar obras de la realidad, pero fracturadas por medio de la
geometrización de la forma, de tal manera que se representaban las mismas formas
del objeto, vistas desde varios ángulos a modo de simultaneidad de planos. Los
artistas cubistas pintaban superficies planas, la perspectiva dada a la obra era
aparente, lograda por medio del alargamiento de las líneas y ángulos. El color
fue, virtualmente suprimido, subordinándose a las formas y por tanto, al dibujo.
Los cubistas crearon la superposición a través de la visión polifacética y
simultánea del objeto. Como creadores del movimiento cubista podemos nombrar a
importantes personajes como Pablo Picasso y Georges Braque. En Venezuela el
cubismo tiene numerosos seguidores, podemos citar a Ángel Hurtado, Armando
Barrios y Manuel Quintanilla como representantes de esta tendencia en nuestro
país.
FUTURISMO
Fue un movimiento italiano al que
pertenecieron Humberto Boccioni y Carlo Carrá; su propósito era despertar a
Italia de la apatía cultural en que estaba sumida desde fines del siglo XVIII,
atacaba a los museos y academias, al culto de lo antiguo y a todo el arte
italiano de otros tiempos. El futurismo, exigía un nuevo concepto artístico
basado en la dinámica de la velocidad, que para los futuristas era fundamental y
peculiar de la vida moderna. El símbolo más venerado por los futuristas era el
automóvil de carreras; en esencia la pintura futurista era retrato del
movimiento relacionado con el cubismo analítico por su fragmentación, pero así
como el cubista ve un objeto estático desde varios ángulos moviéndose alrededor
de él, en el futurismo el espectador está quieto mientras el objeto se mueve.
Por tanto, en el dibujo, la representación futurista del movimiento simultáneo
de un perro que trota por la calle, puede tener veinte patas y seis colas, con
efecto parecido al de una larga exposición fotográfica de algún objeto que se
mueve.
SURREALISMO
Este movimiento vanguardista no se
circunscribió a un solo lugar geográfico y su manifestaciones son tan variadas
como sus interpretes. Giorgio de Chirico, paul Klee, Man Ray, Salvador Dalí,
Joan Miró, Yves Tanguy, fueron sólo algunos de los artistas que tomaron parte
activa en el grupo de los pintores surrealistas. El Surrealismo, libró a la
pintura de su larga sumisión a la imagen realista y del concepto de espacio
heredado del Renacimiento, dándole rienda suelta al artista para expresar sus
sentimientos e impulsos más íntimos. Influido por el psicoanálisis de Freud y
las doctrinas revolucionarias de la época, el surrealismo supo dar cause a vagos
impulsos renovadores latentes en la intelectualidad surgida de la primera
posguerra. Su período más floreciente fue el de 1924 a 1928. Como ideal estético
se propone lo maravilloso, reuniendo dos objetos incongruentes en un contexto
ajeno a ambos; el propósito de los surrealistas no era "hacer arte", sino
explorar posibilidades.
ABSTRACCIONISMO
Este arte consistía en extraer de una imagen
figurativa los elementos esenciales, deformándolos o modificándolos; en él se
tiende a impresionar lo psíquico por encima de lo puramente visual, se busca una
nueva expresión de la realidad, llegando a oscilar entre dos polos: el
acercamiento a la realidad para entenderla y el alejamiento de ella al
interpretarla. El arte Abstracto es un movimiento que nace con la creación de la
nueva pintura del ruso Wassily Kandinsky en 1910, en la cual no existía ninguna
representación figurativa, sino formas y colores; sin embargo, revisando obras
prehistóricas, de Egipto, del período prehispánico, etc., se puede ubicar en
ellas el origen de este arte. Esta tendencia artística se basó, no en la
representación real del objeto, sino en la belleza que el cuadro pueda reflejar,
de allí la importancia del color en las obras abstractas. El Abstraccionismo
tiene dos corrientes: la Abstracción Lírica, que se refiere a las composiciones
donde el artista parte de su intuición para expresar, por medio de color,
sentimientos, ideas, etc., y la Abstracción Geométrica, que se refiere a las
composiciones en donde el artista trabaja con figuras geométricas como el
círculo y el cuadrado, y con líneas que partiendo de colores planos las hacen
ser obras totalmente estáticas.
6. BIBLIOGRAFÍA
El significado del arte / Herbert Read. -- Buenos Aires : Losada, 1954. -- 199p.
: il.
La figura humana en el arte : obra destinada a los escultores, pintores y
artistas en general / C. H. Stratz. -- Barcelona : Salvat, 1926. -- 358 p. :
ilus.
Resumen gráfico de la historia del arte / por M. D. D. -- 7 ed. rev. --
Barcelona: Gustavo Gilli, 1999. -- 85 p.: il. Incluye 370 grabados
Historia de los estilos artísticos / K. D. Hartmann; traducción de la sexta
edición alemana por el Dr. D. Domingo Miral; con un estudio sobre los estilos
del siglo XX por A. Cirici Pellicer. -- 5 ed. -- Barcelona: Labor, 1948. -- 392
p.
Nueva enciclopedia autodidáctica Quillet. -- México: Quillet, 1973. -- v. 3
Historia universal del arte. -- Barcelona:
Editorial Rombo, 1994. 6 v.
v.1 El arte paleolítico. -- v.2 Arte neolítico. -- v.3 Arte egipcio. -- v.4 Arte
antiguo. -- v.5 Arte de la edad de hierro en Europa. -- v.6 Arte egeo
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